martes, 16 de enero de 2018

TRES ANUNCIOS EN LAS AFUERAS


Dirección: 
Título en V.O.: Three Billboards Outside Ebbing, Missouri
Nacionalidades: USA Año:  Fecha de estreno: 
Duración: 112 min.
Género: Thriller
Color o en B/N: Color
Fotografía: Ben Davis
Música: Carter Burwell


Sinopsis: Ya han pasado varios meses desde el asesinato de la hija de Mildred Hayes (Frances McDormand) y aún no se sabe nada acerca de lo ocurrido. La mujer, de 50 años, decide declarar la guerra a la policía de su pueblo, Ebbing, Misuri, colocando tres carteles a la entrada del pueblo con mensajes muy controvertidos sobre el jefe de policía, William Willoughby (Woody Harrelson). Cuando el departamento de policía lo ve, comienza una lucha por el descrédito y la injusticia. Mildred cree firmemente que están inmersos en casos de corrupción y racismo y utilizará esa carta para conseguir su objetivo. Mientras tanto, toma el asunto por sus propias manos y comienza a buscar al asesino de su primogénita.


.....El magnífico guión, obra del propio realizador, escudriña dentro de cada una de las zonas grises de tan funesto acontecimiento sabiendo encontrar el tono adecuado para no resultar en absoluto irrespetuoso con el delicado asunto que se trae entre manos, presentando a cada personaje con sus virtudes y sus miserias, siendo capaz de no tomar partido por ninguno de ellos y planteando a la audiencia un puñado de interesantes cuestiones. ¿Han hecho los cuerpos de seguridad todo lo que estaba en su mano para intentar identificar y detener al culpable o culpables? ¿Están en su derecho a ejercer una presión de este tipo los seres queridos de la víctima? ¿Sería lícito intentar tomarse la justicia por su mano? ¿Podrían la implicación, el dolor y el sufrimiento equivocar a quien lo hiciese? (! VIVA  ZAPATA! ).


'Tres anuncios en las afueras' es, para lo bueno y para lo malo, la película de un guionista.La historia de Mildred (Frances McDormand), una mujer dispuesta a descubrir quién violó y asesinó a su hija adolescente ante la ineptitud de las autoridades locales, está escrita con una precisión y una sagacidad fuera de lo común. La descripción y el desarrollo de los personajes son extraordinarios; el vaivén entre lo trágico y lo cómico es puro equilibrio; y la violencia está gestionada con maestría.
Martin McDonagh ('Escondidos en Brujas') se apoya en las palabras para convertir su minuciosa (y, a la vez, extrañamente lúdica) inmersión en una comunidad tocada por la tragedia en un retrato sagaz de los males de la América profunda (la violencia, la ignorancia, el racismo) y del ser humano en caída libre. El único problema es que a veces hay cierta confusión entre las reflexiones del director/guionista y las de sus personajes: cuesta creer que algunos de ellos sean tan rápidos y brillantes en sus réplicas. (FOTOGRAMAS).


...La película es fácilmente etiquetable como un western moderno, mezclada con algunos elementos que me han recordado la literatura policíaca nórdica, tanto en personajes como en su trabajo con el paisaje como elemento que los define, con algunos elementos que me han recordado Spoor, el rastro, de la que hice crítica hace unos meses en esta misma página web. Sin embargo eso sería lo fácil. Es como decir que también me ha traído a la memoria, sobre todo por los personajes de Harrelson y Rockwell una película de Arthur Penn que aprovecho para recomendar a los lectores, La jauría humana, aunque en otros momentos también me traiga a la memoria ecos de En el calor de la noche. Como ven, transmite muy buenas vibraciones porque todas las películas citadas son auténticos clásicos en lo suyo....(REVISTA ACCIÓN),

domingo, 7 de enero de 2018

JUMANJI :BIENVENIDOS A LA JUNGLA




Veinte años después de la primera película llega esta secuela en la que el juego de mesa se convierte en videojuego para atrapar a cuatro adolescentes en el cuerpo de sus avatares, un grupo de arquetípicos héroes que tendrán que sobrevivir a una salvaje aventura en la jungla.


....La tecnología digital, el montaje, la fotografía, los efectos de sonido, la excelente banda sonora y un reparto equilibrado subordinados a un magnífico texto. Una cinta de aventuras excelentemente escrita que ha sabido superar a su predecesora poniéndola al día y en la que no falta un punzante y acertado sentido del humor sin dejar de lado otros aspectos, que aprendimos aporreando teclas o descoyuntando joysticks, como la importancia del trabajo en equipo y de las habilidades que pueda aportar cada miembro del grupo para superar adversidades. Ah, y como no podía ser de otra manera, con la guinda final de los Guns N´ Roses...(VIVA ZAPATA).


De la misma manera que asumimos que toda segunda parte debe ser más oscura que la primera, parece existir un mandamiento que exige que todo remake o reboot consolide y no se desvíe del hipotético canon forjado por las entregas previas. Ese no es el caso de 'Jumanji: Bienvenidos a la Jungla', que toma la esencia del original para reformularse como una magnífica y entretenida comedia de aventuras con personalidad propia. Jake Kasdan firma una cinta de ritmo apabullante sostenida por un cuarteto protagonista en forma, un arsenal de soluciones visuales que potencian la trama y una reflexión con cuerpo sobre la identidad teen que homenajea 'El Club de los Cinco' (John Hughes, 1985). (FOTOGRAMAS).


Cuando Sony Pictures anunció el reboot de 'Jumanji' nos llevamos las manos a la cabeza (como si de verdad fuera algo sorprendente o sacrílego). La película original es uno de los clásicos de la infancia más importantes para la generación que creció en los 90, así que el recelo era comprensible, sobre todo cuando se descubrió que el reboot era en realidad una secuela en clave de comedia de acción protagonizada por The Rock y Jack Black en la que Jumanji ya no era un juego de mesa, sino un videojuego retro.

Pasado el susto inicial, resulta que 'Jumanji: Bienvenidos a la jungla' no solo no es un despropósito, sino que es una más que digna película de aventuras para toda la familia. El reboot se aleja casi por completo de la película original con una propuesta muy distinta que, en lugar de abusar de la nostalgia como otros productos, la emplea de forma astuta, como guiño a la audiencia que creció con el clásico, pero evitando que acabe fagocitando el loable intento por llevar a la franquicia hacia las nuevas generaciones. El resultado es una cinta muy millennial en trasfondo y a la vez muy clásica como aventura para todos los públicos....(ECARTELERA)

viernes, 22 de diciembre de 2017

COCO


DURACIÓN: 106 min
PAÍS: Estados Unidos
GÉNERO: Animación
ESTRENO: 01/12/2017
DIRECCIÓN: Lee Unkrich, Adrian Molina

Miguel es un joven con el sueño de convertirse en leyenda de la música a pesar de la prohibición de su familia. Su pasión le llevará a adentrarse en la "Tierra de los Muertos" para conocer su verdadero legado familiar. 

.....'Coco' no posee la originalidad de 'Ratatouille' ni el lirismo de 'Wall-E' o la inventiva de la primera parte de 'Up'. En cambio, echa mano de una paleta visual deslumbrante para compensar una narración algo formularia que acarrea mensajes genéricos sobre la importancia de la familia y de venerar a nuestros ancestros, y que no saca jugo del ecosistema en el que transcurre como sí hacían 'Buscando a Nemo' 'Del revés'. Y pese a ello es un alarde de ingenio creativo por parte de Pixar en tanto que logra hablar de la inevitabilidad de la muerte de un modo que resulta endiabladamente entretenido para el público infantil y a la vez invita al adulto a reflexiones de peso. Puede que la edad de oro de los estudios de animación haya quedado atrás pero, dada la mediocridad general de sus producciones más recientes, 'Coco' solo puede considerarse un resurgir.(el periodico).

Más o menos a la mitad de Coco se sucede un número musical. No es el primero ni será el último, porque a lo largo del metraje Pixar ha querido insistir muy fuerte en que ésta era una película totalmente innovadora, pero sí sorprende porque aquí nadie se ha molestado en disimular el inherente pegote. Un espectro moribundo le pide al un poco menos moribundo Héctor que le toque una canción con su guitarra. Héctor cede, pero tras cantar un poco se ve obligado, viendo los ojos del pequeño Miguel clavados en su instrumento, a modificar la letra. ¿Su excusa? La misma de Timón para no extenderse en sus alabanzas a la cultura hippie: hay niños delante.  Esto, por supuesto, no atina a quitarle hierro a los complicados temas que trata Coco. La muerte, el recuerdo de los seres queridos, el abandono familiar, el alzheimer. Algo bastante difícil de manejar; algo que sobre el papel semeja un prólogo...(SENSACINE).

Un delicioso, arriesgado, imaginativo y virtuoso prólogo, que resume toda una memoria familiar a través de tradicionales banderas de papel picado, desactiva las dos máximas prevenciones que podrían tenerse ante este trabajo conjunto de Lee Unkrich y Adrian Molina: a) que la notable 'El Libro de la Vida' (2014), de Jorge R. Gutiérrez, hubiese convertido el imaginario del Día de los Muertos en tierra quemada para la animación, y b) que el discurso cayera en el paternalismo propio de esos tiempos de política de Buena Vecindad que Disney explotó en los años 40.
Fastuoso canto de amor al folclore y la cultura popular mexicanos (incluso Cantinflas y El Santo dejan ver su osamenta), equilibra lo clásico (el diseño y la gestualidad del perro Dante) y lo innovador (esos alebrijes de lisérgico cromatismo), el arte y la técnica (el texturizado rostro de la anciana Coco), y acaba revelándose como un poderoso melodrama musical que culmina en una conmovedora escena íntima donde se celebra el poder de las canciones como grandes contenedores de memoria.(FOTOGRAMAS).

jueves, 16 de noviembre de 2017

LA LIBRERÍA



DURACIÓN: 108 min
PAÍS: España, Reino Unido, Alemania
GÉNERO: Drama
ESTRENO: 10/11/2017
DIRECCIÓN: Isabel Coixet
REPARTO: Emily MortimerPatricia ClarksonBill NighyHonor KneafseyJames LanceHarvey BennettMichael FitzgeraldJorge Suquet, Hunter Tremayne, Frances Barber, Gary Piquer, Lucy Tillett, Nigel O'Neill, Toby Gibson, Charlotte Vega



A finales de los años 50, Florence Green decide hacer realidad uno de sus mayores sueños: abandonar Londres y abrir una pequeña librería en un pueblo de la costa británica. Pero para su sorpresa, esta decisión desata todo tipo de reacciones entre los habitantes de la localidad.


Sería cerrar los ojos no querer ver que en La librería, la última película de la catalana Isabel Coixet, hay una lectura que señala la sensación de ostracismo (político) que ha venido sufriendo la cineasta a causa del torbellino político de la zona. Es tan sólo una interpretación de las mil posibles, pero La librería, adaptación de la novela con la que Penelope Fitzgerald se quedó a las puertas del Booker en 1978, no deja de ser otra variación del mito de David contra Goliat –de alguien que parecer ser el débil enfrentándose a un sistema fortísimo y pétreo–, aunque aquí la leyenda se desarrolle entre libros de la editorial Penguin
Bajo esa cuidada y detallista puesta en escena (el diseño de producción es sin duda uno de los grandes aciertos del largometraje), Coixet vuelve a presentarnos a una mujer aparentemente frágil, pero de carácter: a finales de los años 50, el sueño de Florence Green (Emily Mortimer) es abrir una librería en el pueblo costero de Inglaterra donde vive, y se ve atacado por la negativa de sus vecinos y por la oposición frontal de Violet Gamar (Patricia Clarkson en modo arpía), una aristócrata que ansía del local donde Green ha abierto su negocio. 
Más allá de la estética preppy que baña toda la película y que parece cohesionar las decisiones de la cineasta, hay algunas cuestiones que desajustan bastante el resultado de La librería: para empezar, los préstamos estilísticos, a los que hay que sumar algunas líneas narrativas que se pierden por el camino y, especialmente, un epílogo disruptivo que pretende funcionar como corolario y parece más bien una reflexión gratuita. (SENSACINE).


Varios son los aciertos de esta tersa, implacable y muy humana peripecia con libros y mujeres que Isabel Coixet ha convertido en una de sus criaturas más perturbadoras y personales. La primera guarda relación con la (obvia) posibilidad de leer la película en clave autobiográfica: aunque el proceso de la adaptación arrancó hace ya diez años, es ahora cuando se la puede ver como el enfrentamiento entre una mujer libre y una comunidad que pretende someterla. Libre en un sentido discreto: no son heroicidades, sino vidas cotidianas marcadas por la incomprensión, el miedo y la pulsión de hacer daño. Como lo que vive la directora en su convulsa relación con (algunos de) sus conciudadanos catalanes. La segunda es una idea majestuosa, que viene del primer cine de Coixet, de 'A los que aman' (1998): la conversión del paisaje, captado desde un romanticismo que no desdeña mostrarse como tal. A la vez como el contenedor de los sentimientos de los personajes (tal vez la más bella secuencia de amor rodada jamás por Coixet se desarrolla frente al mar) y como la metáfora que deja en evidencia a los humanos: la naturaleza como protección (también como amenaza) frente a la iniquidad y la mediocridad de los hombres. La tercera, en fin, hace de la película una declaración de principios: a la directora no le duelen prendas de hacer una película de valores sólidos, que canta las alabanzas a la lectura y su capacidad para hacernos libres. Una película hermosa y vibrante, cargada de razón y también de esperanza.(FOTOGRAMAS).

Isabel Coixet nos entrega un relato de amor a los libros. Una historia sencilla y contenida, ambientada en la Inglaterra rural de los 50, con un brillante reparto en el que destacan varios nombres y que nos habla de la dificultad de encajar en una comunidad cerrada, de la persecución de nuestros sueños y la soledad, todo ello en torno al amor por la literatura y los libros, al cariño por la lectura. Coixet narra con excelente pulso esta pequeña y sencilla historia de tonos agridulces que se mueve con cierta elegancia entre las calles del pequeño pueblo y las estanterías de la librería que da nombre a la película. Todo ello usando como punto de partida la novela de Penelope Fitzgerald en la que se basa la película.....(ACCIÓN DE CINE).